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氣韻相生．虛實交錯

華安瑞、蔣三石、王雅慧、劉善恆的創作對話

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文/ 王品驊．國立彰化師範大學美術學系副教授

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「氣韻・虛實」展邀請了四位當代藝術家，以「氣韻」和「虛實」的兩種觀察視角，提供藝術家以各自不同的創作向度，開展當代創作之間的對話。德國藝術家華安瑞以獨特的創作手法，讓影像風景成為一種銘刻身體經驗與記憶的媒介。蔣三石在大自然中繪畫，身體臨場的知覺流動「畫化」，畫出造化之妙。王雅慧透過水墨實驗，創造出知覺綿延的影像空間，像是一種「被抽成真空般」的「空間詩」。劉善恆藉由自然的雲霧，捕捉「虛實相生」的自然與人為關係。幾位藝術家的創作都具有透過身體「在場」的知覺，重新轉譯東方氣韻生動美學意境的特徵，讓藝術作為一種沈澱身心的媒介。

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華安瑞讓「攝影」轉變為能夠喚起感知者存在經驗的載體，也成為引發沉思的媒介。他的作品讓觀者必須先接受迎面而來的黑，方能在第二層視覺的活動中辨識出黑色樹蔭的場景，光線極暗的樹影給人一種既熟悉又陌生的體驗，彷彿那些是躲藏在視覺記憶中的潛在影像，我們很少召喚得出這樣的記憶片段，因此這些影像漸漸透露出耐人尋味的知覺感受。而另外幾張呈現著晃動樹影的綠色影像，特別體現出曾經的呼吸顫動與時間的痕跡，畫面中不可見的身體，因此「臨在」於場景中。他的作品都是藝術家避免讓攝影成為再現式影像的一種努力，卻又巧妙的體現著自然與人為的雙重性，相機不再只是攝取影像的工具，而是在藝術家有意識的翻轉非再現式影像的創作過程中，成為重要的中介物，體現出自然與人共在的新真實。

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此時「攝影」仍舊是藝術史中的「攝影」嗎？「攝影」原初的紀錄性與再現性，都在藝術家將「攝影」重置為一種影像裝置時，衍生出新的意義，「攝影」成為構築人與自然關係、提取潛在記憶的影像機器。而我們透過藝術家的影像，我們能夠得知這樣的影像機器是為了引發我們對於視覺經驗的沉思，以及重新感受自然的存在樣態。影像中靜謐的空間氛圍，意味雋永。

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蔣三石的紙上水墨，也多是石上水墨，因為她總是在大自然中畫畫。可能是新店蘭溪的溪邊大石，也可能是德國黑森林的一方空地。創作之前不預設主題、內容，沒有草稿，她強調跟大自然一起合作的作畫方式，就是讓出所有人為的主導性，讓自己先沈浸在大自然場景中，融入溪水聲、風聲、陽光斑斕的樹影，在那些持續變化著的鳥鳴、蟲唧、溫度、時間裡處於當下的未知，並以信手取得的樹枝、石塊、苔痕，即興地作畫。

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三石曾被詢問水墨繪畫為何不賦彩？她說因為她的繪畫世界是：「『摸出來』的。如同瞎人摸象般認識世界的過程。我不是畫眼前所見之景，而是靠筆墨與紙碰觸的同時，一點一點形塑出來的存在。」 （註1)「谷神」系列，也跟以往系列不同，採取了雙屏繪畫的形式。在兩張畫紙之間留下空隙和不連續，而空隙或「留白」——她曾說「留白」是在氣聚畫出墨色之後留下的空缺，是一種「退讓」後的「消散」，是一種「不為」：「處於渾沌不為的狀態」。是一種「體感」。（註2) 她也曾提到「墨色」不是一種顏色。「墨色」是在「氣聚」過程中凝聚而成的存在。由「氣聚」而畫成的「墨色」是一種存在本質的體現。（註3) 換句話說，她的繪畫是在與萬物「神遇」之後，捕捉知覺而體現的存在軌跡。

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王雅慧透過石濤、塞尚等東西方藝術家的繪畫，思索著影像空間的問題。她曾經在訪談中提到，她從2002年開始創作，前面十四年像是第一個階段，2016年拍了〈返影入深林〉，像是進入一個新的階段，〈返影〉是轉折的第一件，而2022年完成〈一一〉這件作品她也很開心，因為是將2016年以來的思考，做了完整的收尾。（註4) 這也意味著〈返影入深林〉系列的〈林中路〉和〈問影〉的重要性，同時這個階段的突破又跟她透過水墨實驗來處理影像空間有關，因此以簡單筆觸表達的〈一筆書〉也體現了這個關鍵轉折。

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藝術家曾說〈返影〉系列，是在處理影子。難道墨色就是影子嗎？藝術家回答：「因為那時在畫，畫的都是影子，但這也同時是在處理光線，因為當墨色一畫下去，影子和光線就同時出現了。」 （註5) 〈林中路〉和〈問影〉都透過墨色，創造空間。靜態的〈問影〉，簡潔的線條挑戰著觀者熟悉的物理空間認知。而錄像〈林中路〉動態線條跟牆面物理空間，也藉著無法被掌握的幾何線性，創造出令人著迷的運動，靜謐、緩慢、影像流逝的知覺經驗，持續溢出慣性認知的纏縛。當藝術家的錄像以某種較慢的知覺速度運作時，像是一種潛藏於肉身中的某種潛在性，想要被生產出來的過程。那種潛在性，可能是透過藝術家研究畫家繪畫空間時，深藏於心的體驗，也曾是某些多年前現實經驗的變形與交融。

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正如藝術家說的，那些埋藏於心中多年，終於找到適合形式而被表達出來的影像，來自記憶、卻不是記憶。藉此過程，一種不說故事的知覺影像敘事被體現出來。那是種種蘊藏藝術家內心的感性配置，找到了最可見的物質性型態體現的一刻。

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劉善恆的創作試圖透過雪和霧等自然現象，創造風景中的「虛實相生」狀態，藉此讓原本的自然對象被轉譯為充滿畫意的形象，簡化後取消物質實體感的影像，不僅讓空間擴延，還衍生出水墨山水意境。而這樣的意境，指向具有東方文化意涵的心靈空間，讓作品成為啟動心靈的媒介，給予豐富的不可見想像，也從現實場景中解縛，化為充滿氤氳氣韻流動的水墨繪畫空間。如同藝術家的裝置作品，讓觀者有機會解消主體與客體的界限，重新成為探討人性與外在世界關係的媒介。

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藝術史論者廖新田曾針對劉善恆的作品提及：「他善於造景與造境，藉此引發『超越性心境』」，同時也在評論他的裝置創作時提到藝術家的藝術手法足以「邀約觀看主體在特定的空間開啟觀視的機制」，而這也是筆者所觀察到的，無論是劉善恆的繪畫或是裝置作品都具有「循循善誘」觀看者產生「在場」的「自我觀照儀典」的特徵。（註6)

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「氣韻・虛實」展透過兩個展覽空間的區隔，以「氣韻」作為連結華安瑞攝影和蔣三石繪畫中重要的身體「知覺」在場的痕跡，因為他們在作品中的確都體現出了「氣韻生動」的表達。而王雅慧透過水墨線條「造假」出不同於慣性知覺之空間，切換了視覺的「虛實」經驗，與劉善恆具有水墨山水意境的影像空間，產生了可相互參照的對映關係，十分有趣。當然兩位藝術家之所以能構造出「虛實」空間的交錯，也是基於身體「在場」的知覺轉換所得。

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四位藝術家各自以極為不同的創作手法與視覺語境，在重視身體「在場」知覺的創作脈絡下，都以當代創作的實踐回應了東方藝術極為重要的精神向度，構成了一次極精彩的藝術對話之盛宴。

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(註1) 蔣三石，〈另一種看見〉，創作自述。

(註2) 蔣三石，〈畫白與留白〉，創作自述。

(註3) 同註釋1。

(註4) 筆者於2022年訪談王雅慧的訪談內容。

(註5) 同註釋4。

(註6) 廖新田，《氣韻生動與現代性》，台北：長歌藝術傳播，2024，頁257。

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▍ 氣韻・虛實 Breathing Rhythms・Empty Fullness

展期｜2025. 02. 15 - 2025. 3. 15

藝術家｜華安瑞、蔣三石、王雅慧、劉善恆

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